El Síndrome del pájaro muerto

Hay un síndrome que aparece en mucha gente cuando su banda favorita -que  lleva ya un largo camino recorrido – empieza a sacar pestiños. El síndrome se manifiesta cuando uno no duda en tragarse ruedas de molino con forma de canción. Cuando esos tíos ya no molan, ya no aportan nada fresco a tus oídos, cuando su presencia ya no es de obligada atención, cuando se les presta atención en  (casi) todos los medios, en ese momento,  aparecen por generación espontanea unas huestes de fans recalcitrantes, capaces de defender antológicos coñazos o reformulaciones  inesperadas que acaban en abortos musicales.

Los pájaros muertos no son hermosos

Hay que entender que para el fan que ha crecido con esa banda es muy duro aceptar la realidad. Póngase en su lugar, posiblemente este muchacho creció imitando a esos sujetos, marcándose sus solos con el palo de la escoba. Es muy jodido aceptar que aquellos tíos que te inspiraron con su música, que te ofrecieron un gran placer para tus oídos y tu corazón, no sean más que una panda de ricos subidos a un mastodonte tan grande que ya no se puede parar. Para muchos es un ataque directo a su autoestima el decir públicamente que su banda favorita  no es más que puta mierda a día de hoy.

En mi caso he vivido ya varios casos de grupos que me flipaban y ahora  ejercen de caricaturas de sí mismos. No queda sino resignarse y aceptar que la vida es dura. Es también reseñable que, si hay algún mundo de la cultura popular de nuestros días, donde se valora más al artista muerto, es en el mundo de la música. No se trata más que de un filtro para prevenir el despeñamiento del futuro mito. ¿Qué mierda estaría haciendo Kurt Cobain en este momento? ¿Sería todavía digno de nuestro respeto? Es más que probable que hubiera un amplio sector que defendiera lo que el bueno de Kurt hace ahora…

Hagamos un poco de música ficción

El bueno de Kurt, que se parece en estos días más a Kiko Veneno que al Kurt de melenita rubia y cara de llevar el peso del mundo, lleva publicados siete.. no,.. ocho álbumes…( en el fondo da igual), compadrea con Sting, Rod Stewart  y otros puretillas en una de las mesas de dinosaurios de los MTV Awards, luego reinterpretará en clave grungera –que es el sonido que le da de comer- un clásico de los Rolling Stones cuando eran una banda de rock y no un montón de momias de gira. Obviamente la interpretación es fabulosa –es lo que dan las tablas- pero seguro que es un dueto con la Lady Gaga o los Black Eyes Peas de turno. La realidad supera a la ficción…

O quizás Kurt, promocionando su séptimo u octavo álbum, ¡que más da! Ha decido dar una vuelta de tuerca al sonido de su banda – de la que es el único miembro original que queda- y el dinosaurio se sustenta con un montón de músicos –mercenarios que le han dado un “toque más atmosférico y experimental a su música” Es decir lo mismo de siempre pero con tecladillos camela, que le dan un toque más pop…(sigh!) o un tremendo tostón electroambientdubhousecosmicotrance en el que el management de la compañía ha sudado sangre para darle salida comercial a semejante engendro.

Ante tamaña manera de tocar fondo, el fan medio tendrá que mirarse al espejo y tomar una decisión: Ora defenderé lo indefendible,  ora intentaré aceptar, con la mayor de las resignaciones que cualquier tiempo pasado fue mejor y que gustirrinin me hubiera dado ver a mis favoritos en sus días de gloria.

El ejemplo de R.E.M estos últimos días me parece encomiable y no dudo en apostar que estos sí que entierran el hacha de guerra. Otros, en cambio se dedican a hacer  tremendos ridículos que se justifican de maneras vergonzosas; solapando que el único interés es que vosotros, ingenuos fans, sigáis comprando la reedición en SACD DVD91.1 remasterizado por su puta madre; y otros ignomininiosos pecados cometidos por las bandas acabadas y la industria musical.

Por ello que muchos músicos asustados por la espantosa perspectiva de envejecer mal deciden poner fin a su vida antes de defraudar. En general la maniobra es perfecta pero te cuesta la vida. ¿Qué podría salir de la garganta de Amy Winehouse en 15 años? Cuando fuera un horror reconstruido como Cher, llena de tatuajes mohosos y  con una voz derretido por las drogas  ya no habría “rehab” posible ¿Qué dirían Jim Morrison cuando le propusieran tocar en Benidorm como hicieron parte de sus compañeros hace unos años? ¿Qué ataque de epilepsia sufriría Ian Curtis al ver a sus paisanos arrastrarse por el escenario y destrozar sus propios clásicos? ¿Sería Poch el presentador de un reality de Telecinco?  ¿ O Jimi Hendrix tocaría el órgano en una iglesia después de perder toda su fortuna en los casinos indios? ¿No vende mucho más Michael Jackson ahora que está muerto que en sus años de ostracismo? ¿No hemos perdonado todos sus pecados?

Es por ello que fan y artista deben respetar la idea de que cuando se tiene que acabar, se tiene que acabar. Para mantener la dignidad. Aunque ya sabemos que “everybody hurts”

Bright white clubbing: una sesión de siniestros

Esta semana un pequeño post sobre una de las sesiones más memorables que hay colgadas en youtube, además nos viene muy bien a colación de celebrar el óscar recientemente ganado
por  Trent Reznor y Atticus Ross por su trabajo para el soundtrack de The social Network de David Fincher.

La sesión fue originalmente colgada en la web de NIN y es de solo -por desgracia- cuatro temas. Todos ellos significativos en lo que respecta a los cuatro intérpretes.
Os ofrecemos abajo de este post una lista de reproducción con las cuatro canciones, pero antes hablemos un poco de los intérpretes y de los temas en sí.

Blancuzcos ellos

LOS INTERPRETES:

Atticus Ross: nacido en inglaterra en 1968, productor y músico ha colaborado con Barry Adamson (ex Bad Seeds) y Tim Simenon “Bom and the Bass”. Ha realizado la banda sonora de
El libro de Eli (2010) y La red Social. Viene colaborando con Reznor y su banda desde 2000.

Jeordie White: más conocido como Twiggy Ramirez, fue el bajista de Marilyn Manson desde 1993 hasta 2002 y ha vuelto a unirse a la banda en 2008.ha tocado en NIN y A perfect Circle.

Y los dos que necesitan menos presentación: Trent Reznor, alma mater de Nine inch Nails y Mr Peter Murphy, barítono, líder de Bauhaus, padrino del movimiento gótico, residente en Turquía
desde hace 20 años, musulmán y vegano .

LOS TEMAS:
Nightclubbing: mítico tema de Iggy Pop de su album “The idiot”, producido por David Bowie, cuando Pop y él se desintoxicaban -o lo intentaban- en el Berlín más bizarro, el último disco que oyó Ian Curtis antes de colgarse en la cocina de casa, el tema que suena, junto con lust for life,
en la estupenda Trainspotting, el beat de bateria que Reznor robó para su tema Closer. Parece lógico y de buenos caballeros el homenajear esta canción por parte de gente tan influenciada por los discos editados por la dupla Bowie/Pop bajo los mandos de Brian Eno.

Warm Leatherette: única referencia de The Normal, banda creada por el gordo de Daniel Miller, capo del sello Mute y sin duda uno de los hombres que más ha hecho por la música electrónica en Inglaterra y por ende en el mundo. Bajo su paraguas se encuentran nombres de referencia como Nick Cave, Depeche Mode, Moby, Goldfrapp, o el ex Pulp Richard Hawley. War Leatherette está basada en el libro de JG Ballard Crash que dio también pie a la película de David Cronemberg, un combinado de accidentes de coche y sexo, todo muy agradable. Existe una versión de la diosa de ebano Grace Jones completamente indispensable.

Reptile: es un tema de NIN incluido en su álbum The downward spiral. Sin duda la voz de Murphy, muchísimo mejor en registro e interpretación que la de Reznor, multiplica las virtudes de la canción. Una interpretación de lo más viscosa.

Por último A strange kind of love una preciosa balada de Peter Murphy, incluida en su disco en solitario más exitoso Deep (1990), que queda como prueba para comprobar la gloriosa voz de barítono del príncipe de los góticos ¡Cómo canta Mr. Murphy!

Que la disfuteis en soledad

Basil Poledouris – maestro de la épica

Hoy queremos rendir un homenaje a uno de los compositores de bandas sonoras menos reconocidos de la historia y sin embargo poseedor de varios trabajos de genial factura. Basil Poledouris no es tan conocido como John Williams, Ennio Morricone, Howard Shore, Vangelis, o el recientemente fallecido John Barry. La filmografía de Poledouris está trufada de películas de serie B y alejadas de las márgenes más exitosas de Hollywood así como de filmes más minoritarios: a muchos de ellos les dotó de una música muy superior a lo que la película en si ofrecía.

Poledouris, nacido en EE.UU. pero de clara ascendencia griega comenzó a componer bandas sonoras a finales de los 60. La primera fue para un corto de John Millius, director con el colaboraría posteriormente ofreciendo su mejor trabajo.

Como bien relata la wikipedia las influencias primordiales del joven Basil como músico fueron el húngaro Miklos Rosza, genial compositor de bandas sonoras y su ascendencia griega, a lo que habría que añadir un evidente amor por la opera.

Si hay algo que define la música de Poledouris es su increíble capacidad épica. Pocas músicas para cine alcanza cotas tan legendarias como las del griego, sublimándose en el caso de la música compuesta para las dos partes de Conan: Conan el bárbaro (1982) gran película y brillantísima banda sonora (considerada uno de los mejores ejemplos de música escrita para una película) y Conan El destructor (1984) horrible film y gran partitura -una vez más-.

Poledouris al ser preguntado por la que sin duda es su obra más famosa reconoce que: “John (Millius, director de la primera entrega) quería que fuese una ópera en cuanto a su tamaño y alcance, la forma en que la música describiese la historia, y en menor medida, para la letra de las canciones. También quiso que sonase mitológico, como si se hubiese transmitido de generación en generación, “como un ritual esperado durante 10.000 años”. Sentía que si la música podía capturar esas cualidades, los espectadores acabarían formando parte de un todo, común y atemporal”. Todos aquellos que hayan visto esta película sabrán que la música ocupa más espacio -e importancia- que los propios diálogos y que de alguna forma es la música la que narra la historia.

Sin duda Conan es la banda sonora más admirada de Poledouris, pero no su único éxito. Otro director de cine con el que desarrollaría una larga colaboración es con el holandés Paul Verhoeven, para el firmaría la música de la mítica Robocop (1987), Los señores del acero (1985) y la acidisima Starship Troopers (1997). Todas ellas incluyen piezas de bella factura, como las dos que os dejamos abajo, que como podréis ver siguen en la línea épica del griego.

Aparte de sus trabajos para Millius y Verhoeven, Poledouris dejó otros buenos ejemplos de su maestría, en Liberad a Willy (1993), en El Libro de la Selva (1994) horrorosa adaptación del clásico de Kypling que posee una música infinitamente superior en calidad que lo ofrecido por el propio film. También otra de las bandas sonoras donde dejo su impronta fue en La caza del Octubre rojo, mítico film de John Mctiernan (Jungla de Cristal) sobre el submarino soviético, con un tremendo Sean Connery. Para esta banda sonora Poledouris se basó: “En los coros de la armada rusa para emular al “macho ruso”, en Prokofiev para dar la ambientación rusa y Rachmaninoff para evocar el encanto del mar”

Otra de las cumbres de Poledouris fue componer la música para los JJOO de Atlanta 1996, que sigue manteniendo su tono épico, sus coros operísticos y su tremenda fuerza.

Para desgracia de todos Poledouris falleció en 2006 aquejado de un cáncer. Una verdadera pena el haber perdido semejante talento para las buenas películas de aventuras y acción.

Ornamento y Delito

“El ornamento es fuerza de trabajo desperdiciada, y por ello, salud desperdiciada”

(“Ornamento y Delito”, Adolf Loos. 1908)

Hoy quiero hablaros de Ornamento y delito, banda  formada por tres vascos y un madrileño. Después de varios años tocando por la noche de la capital y algunas maquetas gratuitas publican, por fin, su primer disco con una compañia: “Rompecabezas de Moda y Perfección Moral”.

Ornamento y delito -título de un ensayo de arquitectura de Alfred Loos que rechaza la decoración típica del modernismo- nos ofrece algunas pistas acerca de la música que tocan estos tipos:

Su música contiene pocas florituras, como buena banda punk va directa al hueso. Sus temas engloban varias cosas que a este blog le gustan especialmente: un after punk sin muchas ínfulas discotequeras, música oscura hablando claro, que suena añeja y moderna a la vez. Un tufo a alguna de las más geniales bandas de la movida de los 80’s como Derribos Arias o Décima Víctima, y una actitud muy subversiva en sus letras. Las referencias territoriales, al franquismo más siniestro (increible los cortes de la peli Raza en el tema “Drama de España”), a la ETA o al 11 M -todos ellos sin cortarse un pelo- le dan una valía particular a los textos en comparación con otras bandas españolas. Ya sabéis nada de cantar sobre cositas que puedan ofender a un grupo de españolitos, siguiendo los dictados de la corrección política que ha vuelto a nuestra sociedad completamente gilipollas.

Los Ornamento sobre todo van sobrados de actitud y eso es lo que hace a una banda grande. Además tiene una beta bastante pop en algunos temas ofreciendo algunos hits deesos que nunca saldrán en la radio pero que pueden perfectamente quedar en la memoria colectiva de los aficionados. Yo nunca he vivido en Madrid pero estoy seguro de que algunos días muchos de los que vivís allí os podeís identificar con este temazo.

Han fichado por Limbo Starr (Nacho Vegas, Migala, El Hijo) que seguramente de todos los sellos indies españoles es el que mejor casa con ellos. También ha sido cacareado el parecido de la voz de Gari, su cantante, con Nacho Vegas. A lo que el vocalista de Ornamento contesta en su myspace con un genial post que podeís leer aquí. Como ellos dicen en una entrevista: no solemos tocar versiones pero a veces tocamos “Transmission” de Joy Division y algo de Eskorbuto. Perfectamente se les podría calificar como una mezcla de estas dos bandas. De hecho parecen una banda nacida en la España de la transición y no 30 años después.

Dice la hoja promocional en su Myspace: “ORNAMENTO Y DELITO no son uno de esos grupos modernos ni para modernos, pero quién sabe, en este mundo de locos cabe la posibilidad de que algún día se pongan de moda. Son un grupo de verdad, con mayúsculas, de esos que no necesitan campañas ni apoyos externos para labrarse una carrera y hacerse un nombre.”

Os dejo aquí abajo una lista de reproducción con el conciertazo que se marcaron hace unos días en Los Conciertos de Radio 3 en La 2.

Que los disfrutéis, tienen mucha miga.

Radiohead: The king of the limbs, sobre árboles y dubstep

Estoy escuchando el nuevo disco de Radiohead  intentando sacar algún tipo de conclusión que exponer aquí. Os diré que juzgar un disco suyo es altamente complejo, tengo una de docenas de amigos  a los que les flipa y hay una colección de sentimientos asociados a  vivencias imborrables que siempre desembocan en ellos. Así que es imposible no ya tener una opinión imparcial, si no juzgarlos con algo de equidad. Pese a este hándicap vamos a intentar no abusar de la benevolencia. La carrera de Radiohead es de una calidad intachable. Puedes alegar que son unos llorones, que no te gusta su cantante, o que te aburren soberanamente, todo eso está bien y es aceptable, pero es imposible no apreciar su capacidad para hilar más fino que nadie. No obstante con este King of the Limbs, Thom Yorke y sus taciturnos escuderos tienen un ligero tropezón. (Siempre comparándolo con el resto de sus discos, ¡ojo! Muchos matarían por sacar algo así). Pero esta vez han sacado un disco aburrido en solo 38 minutos. Quizá lo más destacable es que el disco es de tempo muy bajo, continuista con la línea de In Rainbows, pero bajando el pitch un poquito más. Lo que deja el disco bastante monocromo.

Extendiendo las extremidades

Con Radiohead además tendremos el problema de una legión de fans aquejada del síndrome de “El traje nuevo  del Emperador” que justificarían hasta un vómito de Thom Yorke como obra maravillosa; por otra parte tendremos otra legión de gente esperando a destrozarlos solo por ir a la contra, porque lo más indie de lo indie de manual es decir que Radiohead no mola, o por tener demasiado cerumen en las orejas.

No hay un tema sobresaliente en el disco –como pasa en sus anteriores álbumes- o por lo menos no aparece en las primeras de cambio. Es posible que sean un disco que gane con más escuchas, pero no hay alguna gema que brille de primeras. Volviendo al tono del disco digamos que es bastante opiáceo no hay alguna canción desbocada como en anteriores ocasiones. Esto ya pasaba en el anterior álbum, “bodysnatchers”  era la única canción guitarrera para los que les gusta el Radiohead más rocanroleros. The King of the limbs es un disco casi de jazz:de Jazz; de Dubstep; de texturas, sobre todo. Y aquí es donde creo que se han columpiado en exceso. En otros discos suyos de corte más experimental, como Kid A o Amnesiac, siempre había uno o dos temas que te agarraban por los huevos, aquí solo te pellizcan un poco. No obstante es de admirar la capacidad artística para pasarse por el forro a todos sus fans y sacar lo que nadie espera de ellos, continuar con su cruzada del “one step forward”. Porque este disco es Radiohead en el 2011, ¿Qué esperaba la gente que sacaran? ¿Otro Ok Computer?

Los cinco de Oxford

Hablemos un poco de Dubstep para ver por dónde van los tiros en esta ocasión.  Hay que tener muy en cuenta las colaboraciones que han realizado ultimamente con Modeselektor y Flying Lotus. Dice la enciclopedia gratis en internet:

“El dubstep es un género de música electrónica que pertenece a la familia de estilos del drum and bass y que tuvo sus orígenes en la escena del UK Garage de fines de los años 1990. Si bien durante sus primeros años se configuró más como una aproximación experimental de algunos productores hacia el garage británico que como un género en sí mismo considerado, desde mediados de los 2000 se puede decir que existe ya una escena propia con multitud de seguidores. El dubstep es por norma general música de tipo instrumental. Como en el coetáneo grime, su sonoridad tiende a ser oscura, los temas suelen utilizar modos menores y en ocasiones incluyen armonías disonantes, como cuando usa tritonos dentro de un riff. Otros rasgos característicos del género son el uso de ritmos inquietos y entrecortados,^[5] así como la presencia casi omnipresentes de subbajos. El ritmo está basado en ritmos sincopados, y con frecuencia incorpora notas tocadas con shuffle o en tresillo. El tempo suele mantenerse siempre en un rango de entre 130 y 148 bpm.^[5] El ritmo del dubstep no suele seguir normalmente los patrones four-to-the-floor habituales en otros estilos de música electrónica de baile como el techno o el house,”

Nada mejor que unos ejemplos:

Burial Untrue

Mt Eden Dubstep – Sierra Leone

Loefah – Bombay Squad

Entremos ahora a hacer una valoración de los 8 temas que componen este rey de las extremidades.

El primer tema Bloom va en cámara lenta, con una batería en el que la caja suena completamente jazz y Yorke se desliza por una de esas letanias suyas en que su voz es más instrumento que contador de historias. Pese a que Radiohead ya ha usado arreglos que les hacían paracer jazzys me atrevería a decir que está es la canción más relacionada con el jazz que hayan hecho nunca.

Morning Mr. Magpie lleva algo más de nervio que el anterior, un ritmo continúo producido por una ¿caja de ritmos? La canción parece que se abalanza a la mitad del tema en un crescendo pero vuelve al mismo sitio. De las mejores del disco, sino la mejor.

Little by  Little otro toque de atención serio. Un ritmo de cencerro, un sonido percutor y continuo, algo que parece el sonido de un video juego o un teléfono móvil, y una melodía muy árabe…… más batería jazz. Brillante.

Feral es dubstep por los cuatro costados (vuelvan a oir el tema de burial de arriba).

Lotus flower ha sido el primer single del disco. Parece extraído del disco en solitario del disco en solitario de Thom Yorke. Quizá sea el tema más “catchy  del disco pero le falta pegada. No es There There, ni I might be wrong, ni Everything in the right place, temas que de primeras ya te quedabas diciendo ¿pero que hostias? Por otra parte el video he de decir que no me ha gustado nada. Supongo que los bailecitos son la representación de una flor de loto abriendose y eso…. pero Thom Yorke precisamente no parece un tipo muy extrovertido, vamos que no le pega ni con cola.

Codex es un gran tema, pero la fórmula está algo vista –Piano tremendamente melacólico etc- suena a  Video Tape en exceso.

Give up the Ghost suena al Neil Young más acústico,al de After the gold rush o al de Comes a time, algo que es obvio que le chifla a Radiohead. Los pajaritos y los coros que contiene son de lo más campestre.

Por último Separator, último tema del disco, y quizá el que más me ha gustado por el momento, suena al Radiohead más clásico. Gran trabajo de Phil y Colin a la batería y al bajo respectivamente. La batería, como otras muchas del disco suena más a hip hop que a rocanrol. Y este es un punto bastante importante a lo largo del disco, ritmos y bajos dubstep, baterias hiphop, hace tiempo que Radiohead no es una banda de rock.

Algunas conclusiones:

En la parte negativa, como ya hemos mencionado, el disco se puede hacer bastante aburrido por ser demasiado monocromático. Es muy conveniente darle varias escuchas y con cascos. Desde luego de primeras no entra. Es un disco donde están más trabajadas las texturas que las canciones en si. Carece de un par de temas de esos monumentales que suelen sacarse de la manga, ya sabéis la banda que de cinco canciones cuatro son buenas y una sobresaliente. Es reseñable también que parace que a Johny Greenwood se le ha roto la fender  con dibujitos manga que viene  tocando desde los 90, ni una guitarra del pequeño Greenwood; parece que se ha cambiado a los cacharritos definitivamente.También su poca duración ¿38 minutos por casi 4 años de trabajo? ¡Venga ya!

La parte positiva es que Radiohead no se doblegan como otras bandas a crear un sonido propio y pagar la hipoteca con él. El disco será más o menos acertado, pero siguen a la brecha de la investigación musical y de las probaturas. Podían seguir tocando Creep y No surprises el resto de su vida pero se niegan y eso siempre es de admirar. Además no se puede cuadrar el círculo con cada entrega y aun así siguen dejando boquiabierto con más o menos fortuna, pero boquiabiertos. A la vez, la repercusión que tienen cada vez que publican nuevo material les convierte en la banda más importante del mundo (el que no vea esto que se quite la venda, por favor). En cuanto a lo de la poca duración, apuesto –con el material que hay por internet y que no han publicado- que en menos de un año hay disco nuevo de Radiohead. Esta salida de un segundo disco en breve ya ha sido más que justificada y rumureada en  la red, estupendo cúmulo de suposiciones aquí. La probable maniobra sería similar a la hecha con Kid A y Amnesiac, lo que nos daría pie a tener que juzgar todo el material de las sesiones junto..Veremos que pasa después….

A título personal decir que admiro mucho a Radiohead como artistas (en la concepción original de lo que era un artista, no cualquier cantamañas que diga que lo es), que el disco desde luego no va a ser el que más ponga en mi mp3 de todos los que tienen, y que me da la sensación que su música se irá haciendo cada vez más innacesible. Eso si habrá que ver como suenan estos temas en directo…..

Que empiece la guerra de opiniones.

Pony Bravo: algo se mueve en el sur

Empecemos hablando claro: Pony Bravo son muy buenos  y ahora mismo están en boca de todos. Eso si, con total merecimiento. Con dos discos auto editados (in your face Teddy) son la gran esperanza ibérica. Los sevillanos son una amalgama de estilos perfectamente ensamblados. La compota musical que han montado no admite clasificación fácil. Probablemente  la única sea rock, ya que ellos solo suenan a sí mismos. Sonar original en los días que nos tocan vivir en un logro muy difícil de alcanzar, si hablamos de un grupo español el logro es doble.

Al trote de la psicodelia andaluza

Con una clarísima idea de lo que quieren hacer, que engloba el Krautrock, el reggae, el punk o la copla,  aparte de una ironía lacerante y un ritmo demoledor, los Pony beben de mil fuentes extrayendo perlas de diferentes sitios. Con grandes dosis de psicodelia tanto en su música como en sus letras, quizás sean la banda más interesante del panorama nacional de los últimos años.

Su primer disco “Si bajo de espaldas no me da miedo y otras historias” (véase la genialidad para titular un debut así) publicado en 2008 ya llama la atención de los medios y copa buenas posiciones en lo mejor de ese año. Ahora dos años después los Pony se confirman como banda a tener muy en cuenta. Este segundo disco “Un gramo de fe” incorpora algunas novedades como un poco más de electrónica y algunos instrumentos de viento que enriquecen su (caótico) sonido.

También a destacar como se nutren de la música española más rancia (en ambas acepciones) para la juventud. Quiero destacar que si fue cacareada con asiduidad  -yo mismo lo he hecho y lo sigo haciendo- en la reconversión flamenca de Los Planetas, los Pony se cascan una versión de Manolo Caracol (para ver la original haz clic aquí) que le da mil vueltas a la mayoría de las canciones de la nueva versión flamencoplanetaria (especialmente de su nuevo album “Una Opera Egipcia“)

Las influencias que se podrían vislumbrar en estos discos conforman una lista inmensa: Can y el Krautrock alemán por los drones de ritmo que se marcan en algunas canciones, el nervio de los Talking Heads, muucho Dub y Reggae, guitarras afiladas post punk, Pata Negra, Triana y muchos de sus paisanos que crearon eso del “Rock Andaluz”, hasta algunos grupos humorísticos españoles de finales de los 80 podrían meterse en el saco: Pabellon Psiquiatrico, los inhumanos, etc; von la diferencia que los Pony musicalmente les pegan mil patadas a estos últimos. Además cantan en español e inglés, si bien nuestro idioma gana en profundidad lírica e irónica.

Se ha comentado mucho acerca de la carteleria que los Pony han creado para sus álbumes y conciertos (y creada por su cantante y teclista Daniel Alonso), mezclando elementos de lo más dispares: nazarenos jedi, Giraldas a punto de despegar en Cabo Cañaveral o Vírgenes con la cara del bueno de Jacko. Autoproducidos, autoeditados, autodiseñados suponen un claro ejemplo de hacia dónde debe girar el modelo de negocio de la música en este país. Ellos lo han conseguido con el boca a boca (o mejor dicho con el post post) y por su puesto por su tremenda música.

Podeis bajar sus discos desde la página oficial del grupo: El Rancho. Increíble banda, ojala les espere un gran futuro.

Canciones para cerrar una década

Llegados a este punto en que salen tropecientas mil listas de lo mejor del año, del mes, del milenio + 10, de qué es lo que está  en primera posición: el salmorejo de tu tía o la tortilla de tu abuela, Fear of Music, en un ejercicio de nostalgia, os ofrece una lista de temas que marcaron, mejor dicho que nos marcaron la década. Quizá haya otras que os gusten más o algunos grupos que odiáis con vehemencia, otros  os producirán un borboteo de placer, y algunos quizá estén anclados a vuestros recuerdos de forma indisociable (quizás no). Como todas las listas hechas y por hacer, habrá opiniones enfrentadas, se podrá estar más o menos de acuerdo o en total confrontación; por lo que haréis bien en no tomarla como “La lista definitiva” ni cosas por el estilo. Disfrutadla, haced las vuestras y sobre todo celebrad que una nueva década con sus intrigas y misterios por resolver se abre ante nosotros.

Persistencia de la memoria de Salvador Dalí

¿Y por dónde empezamos? Pues como esto no es una lista al uso por aquí mismo:

 

La asociación entre los músicos   Ben_Gibbard y Jimmy Tamborello dio como fruto, vía postal, evidentemente, un solo álbum y nos dejó esta maravilla de canción para el recuerdo.

A principios de la década, en el 2000 o así, cuando la gente decía que el rock estaba muertísimo, estos hijos de papa aparecieron con la titánica misión de salvar el rock. No han llegado a tanto pero sus intentos no han sido en vano. Bienvenidos a la era moderna del rock

Y siguiendo en el rock…. una canción que ya se ha convertido en cántico futbolero, algo tan, tan difícil de conseguir. Con su rollo tricolor e incestuoso los White Stripes paren para su cuarto álbum este pepinazo

Estos chicos aparecieron a hurtadillas a principios de década y la han terminado como banda de estadios. Por algo será….

Estos de aquí también, pero de forma completamente opuesta.

Por otra parte volvieron los últimos 70`s y primeros 80´s en sus dos versiones más características. Dos temazos para demostrarlo  : )

La lúdico festiva:

Y la oscuro depresiva:

Hubo retornos muy esperados:

Y otros que nunca se han ido:

Hubo versiones superiores a los originales:

Y hubo sorpresas muy buenas:

Esperamos que os hayan traído más buenos recuerdos que cualquier otra cosa. Próspero año nuevo a todos.

Enrique Morente: maestro irreemplazable

Escribir este artículo se me hace  incomodo,  justo después de la muerte de Enrique Morente. Me hubiera gustado hacerlo por otros motivos. Me escuece tener que hacerlo  en estos  días en los que todo el mundo se apuntará al carro de las hagiografías, de los halagos y de los tributos;  consecuentemente desde este blog de The Ratacol Project pareceremos otros idiotas ensalzando las virtudes del maestro granadino. Pero  me veo en la obligación moral de rendirle un pequeño homenaje al cantaor que acaba de fallecer y subrayar el monumental e irrepetible hueco que deja en el panorama musical español.

Dicho sea en primer lugar que yo de flamenco no tengo ni puta idea. Estoy seguro que muchos  que leáis esto tampoco tenéis ni puta idea. En el grato caso de que si que lo hubiera, agradecería a ese futurible lector que corrigiera, apuntara o añadiera todo aquello que considerara necesario para iluminar nuestra ignorancia.

La perdida de Enrique Morente supone un mazazo a la música española similar a la de Camarón. Bien es verdad que el mito de José Monge es indiscutible, pero los meritos de Morente no son pocos, ni mucho menos.

Morente, en lo que a los que no sabemos de flamenco respecta, ha hecho que muchos nos interesemos por él.

El flamenco como música autóctona, el flamenco  como tesoro nacional, el flamenco  como herencia cultural, el flamenco  como máximo exponente del arte español….aunque sean pocos a los que verdaderamente pertenece, se puede sentir como propio.

Dice la enciclopedia gratis en internet que el flamenco es “un género español de música y danza que se originó en Andalucía en el siglo XVIII, que tiene como base la música y la danza andaluza y en cuya creación y desarrollo tuvieron un papel fundamental los andaluces de etnia gitana.^[1] El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco. En noviembre de 2010 la UNESCO declaró al flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad”

El flamenco además siempre ha tenido un revestimiento muy ortodoxo en el que las alteraciones o experimentos se han visto como una herejía o una falta de respeto. Por eso solo los más grandes, y desde el respeto a sus mayores, han intentado dar un paso adelante. Al menos en lo que respecta en los últimos 30 años sucede así. Tanto Camarón con su Leyenda del tiempo como Morente con su Omega eran, desde antes de publicar ambos discos, reputadísimos cantaores que conocían a la perfección las tradiciones, que se desenvolvían perfectamente con los diferentes palos y que, obviamente, habían publicado discos reinterpretando a sus maestros. Solo cuando llegaron a este condición se atrevieron a darle nuevas formas.

No hablaremos de La leyenda del tiempo, pero sí de Omega (1996). El disco ha producido bastante literatura en estos últimos 15 años y hay poco que añadir. Sin embargo existen algunas circunstancias que quiero mencionar. Omega nace  del interés de Enrique Morente en adaptar algunos temas de Leonard Cohen al español junto con Alberto Manzano, el traductor del Canadiense a nuestra lengua. Por otra parte los siempre inquietos Lagartija Nick estaban trabajando en musicar  textos de Lorca. El tercer vértice que cierra este triángulo es la más que conocida pleitesía que Cohen siente por la literatura de Federico, y que le ha llevado  no solo ha adaptar textos del poeta para su cancionero si no  a bautizar a su propia hija como Lorca, Lorca Cohen. De esta inimaginable pirámide de casualidad e inspiración nace el disco más importante de los últimos 15 años en la piel de toro. La visceralidad y el mestizaje inédito del que son fruto marcan un hito y añade una nueva cima a la mezcla del flamenco con otras músicas. El flamenco ataca al rock mediante dos artistas cruciales de este siglo. Lorca, Cohen y el noise flamenco.

Morente, como artífice del proyecto, conecta dos mundos a priori antagónicos y provoca la mirada de los aficionados al rock al flamenco. Morente combina en su persona el respeto a la tradición flamenca y la apertura de miras hacia otras músicas definiéndolo como artista íntegro y digno de la admiración de mundos inconexos. Enrique encauza la aceptación natural por parte de los indies españoles de que el flamenco está ahí y que es nuestro. Los Planetas en sus dos últimos discos intentan caminar en dirección opuesta  la senda abierta por Morente.

En estos últimos 15 años se ha admirado y respetado a Morente por su inquietud artística dentro y fuera de la música flamenca, por su búsqueda del duende en diferentes lugares y con diferentes sonidos. Por hacer homenajes a la literatura y al arte patrio.

Es doloroso perder a un artista de verdad. Un icono creíble en un mundo de plástico. Un oasis en el desierto musical español. Nos queda la esperanza que las semillas que él esparció den bueno frutos.  Su hija Estrella es buena razón para tener fe en esta teoría.

Gracias y descanse en paz

Rosa roja sobre fondo negro: 20 años de Violator de Depeche Mode

En 1990 Depeche Mode confirmó su paso de  banda de culto underground a banda masiva de estadio. El cuarteto inglés más aleman llevaba 10 años peleando, single tras single, para colocarse en las listas de ventas y para, después de tener seducido (a su manera) al mercado europeo, lanzarse a la conquista de los USA.

No había banda de su generación que lo tuviera más complicado. Conquistar la tierra del rock por parte de una banda sin guitarras, ni bajo, ni batería, podría parecer una broma de mal gusto o una tarea imposible.

El caso es que su anterior disco -Music for the Masses- afectó de manera brutal a una generación de jovencitos yanquis de extrarradio. Éstos conectaron con las siempre oscuras letras de Martin Gore y el emergente tecno de la época, de hecho dice la tradición que el house salió de temas como “Pleasure little treasure” o “Behind the wheel” (escuchad sus burbujeantes bases) y el techno de los remixes que Derrick May y otros famosos tipos de Detroit hicieron de los discos de los Mode. En cualquier caso, aquella conquista de Norteamérica se culminó con el famoso concierto 101 en el Rosebowl de Pasadena. Algo inaudito para una banda de sintetizadores a la que casi 75.000 personas aclamaron como posesos durante dos horas de concierto.

It´s all about sex

 

Como contaba Dave Gahan,  acabo llorando después de aquel concierto, pues parecía que habían tocado techo y que nada más podían ofrecer. Como él mismo reconoce estaba tremendamente equivocado.

Aproximadamente un año después, empezaron a aparecer billboards por Estados Unidos que decían algo de llamar por teléfono a Jesús. Con seis meses de antelación se publicó el single Personal Jesus y todo cambió de forma definitiva para ellos. Aquel single vendió un millón de copias, cosa que no les volvería a pasar nunca más…

Violator se publicó en marzo de 1990 y es con casi unanimidad considerado el mejor disco de Depeche Mode. Sigue sonando fresco y actual; algo extremadamente complicado para un álbum de música electrónica ya que por el paso del tiempo queda irremediablemente asociado a la época que se publicó. Entre los discos de los propios Depeche ocurre esta circunstancia, hayan sido publicados antes o después de 1990. Lo bueno de Violator es que se pudo haber publicado hace diez, veinte, treinta años o ayer.

Hay una anécdota sobre este disco que merece la pena ser contada antes de deshojarlo. Entre la agenda de presentaciones del álbum se acordó ir a firmar discos de un centro comercial en Los Ángeles por cuatro horas. Se presentaron 30.000 histéricos fans y la banda tuvo que salir de allí con escolta. La expectación era altísima y el disco estuvo más allá de las propias expectativas de los fans.

Violator marca el paso de las experimentaciones previas, del tecno pop de postín a las canciones clásicas, más oscuras y orgánicas.

Al parecer uno de los primeros problemas que se les presentó a los de Basildon al juntarse con Flood, quien produciría el disco, era que su librería de sonidos estaba agotada. Diez años con dos premisas básicas (no repetir jamás el mismo sonido y no utilizar-públicamente- guitarras) los había dejado al borde del colapso creativo.

Mark Ellis conocido como Flood por, literalmente, inundar a sus bandas con tazas de té, fue el productor de este disco y probablemente uno de los productores más respetados de los 90′s (U2: Acthung Baby; Smashing Pumpkins: Mellon Collie and the infinite Sadness; PJ Harvey: To bring you my Love; Nine inch Nails: The Downward spiral etc). Para paliar el parón creativo Flood apostó por cambiar el proceso de grabación de la banda, el cual iba,  generalmente de las demos muy trabajadas de Martin  Gore en preproducción hasta el producto final que remataba con maestría Alan Wilder. Se le pidieron al rubio compositor  unas demos muy sencillas para poder modificarlas más y mejor. También acabó con el complejo de las guitarras: “Hay que hacer lo que suene bien” les ordenó el productor ya fuera con guitarras o sin ellas.

World in my eyes es el comienzo del disco y supone la apertura y cierre de una etapa. La canción es la culminación de 10 años de tecno pop. Es el tema que Kraftwerk siempre hubiera querido hacer. Gobernado por unas líneas de bajo tremendas, la canción es una pieza de orfebrería tecno que anuncia el cambio que se avecina. Nunca más volverán a sonar tan sintetizados.

El segundo tema Sweetest perfection esta cantada, aunque no lo parezca, por Martin Gore y no por Dave Gahan. Trazada sobre una batería tocada con escobillas y un sinuoso crescendo relata una relación directa con drogas, muy probablemente el éxtasis, ampliamente utilizado en la grabación de todo el álbum.

El tercer tema y primer single no es otro que Personal jesus, probablemente la canción más famosa de los cuatro de Basildon. Con un riff monolítico que parece extraido de un primitivo blues Gore nos cuenta una historia sacada de la relación de Priscilla Presley con su padre Elvis. Se puede interpretar tanto como una canción religiosa como el relato de una relación posesiva y altamente sexual (nótese los gemidos del medio de la canción). Tanto Johnny Cash como Marilyn Manson han dado sus versiones respecto a sus Jesuses personales.

Halo es quizá el tema que peor haya envejecido, un tema sobre la dominación martilleado por un montón de sintes y cantando de forma bastante trágica.

Después nos encontramos con Waiting for the night to fall, una de las baladas mejor conseguidas de Depeche mode. Una pieza relajante y minimalista que nos invita a disfrutar del silencio y de la tranquilidad de la noche.

Enjoy the silence quizá sea el tema de más calidad hecho por los de Basildon. Lo que comenzó siendo una balada tocada por un órgano, acabó siendo gracias al genio de Alan Wilder (verdadera bestia musical del grupo y pieza fundamental de su engranaje, Wilder abandonó a mediados de los 90 dejando  coja a la banda para siempre) un pelotazo de canción reconocible en todo el mundo. También el sencillo pero a la vez genial video de Anton Corbijn fijó en las retinas la imagen de Gahan caminando, vestido de rey, por monumentales paisajes.

Policy of truth salió como cuarto single, el tema habla sobre las circunstancias en las que a veces es mejor mentir. La canción esta conducida por un riff de teclado funky, seguramente sampleado de una guitarra con slide -recurso muy utilizado en todo el disco-.

Blue dress es el segundo tema del disco cantado por Martin Gore. Relato de una obsesión por un vestido (y por la mujer que se lo pone), el tema supura sexo por los cuatro costados. La línea de bajo es una de esas tan burbujeantes del house primerizo, las teclas por encima suenan metálicas, como aporreadas con verdadera pasión.

Por último cierra el disco Clean. Tremendo colofón del disco con una línea de bajo que algunos han querido ver sampleada de “One of these days” de Pink Floyd. La canción habla sobre alguien a medio camino del desenganche de algún tipo de droga.

Aquí se cierra un disco redondo como pocos, en el que todos los temas pudieran haber sido singles sin dificultad.

Antes de terminar un par de apuntes más:

Las caras b de los singles de Violator superan a muchas de las publicadas por Depeche mode y son tan buenas que merecían haber estado en el disco, sin embargo se mantuvieron fuera por coherencia comercial y del propio álbum. Probad a escuchar Kaleid, Sea of sin, o la lasciva Happiest girl. Pura crema en la cara b de un single

Por último el arte del disco es memorable. La rosa partida por la mitad nos habla del final de la pureza, de la violación que va a suponer escuchar las canciones que contiene dentro.

Nunca los Depeche funcionaron mejor que aquí ni llegaron más alto. Las cuatro patas que lo formaban en aquel entonces trabajaban como un reloj suizo, engrasados y precisos. El mejor piropo que se puede decir es que el disco suena igual de fresco y majestuso después de 20 años.

Nacho Vegas: Sobre el talento y el dolor

O puede que sea hora de entrar ya en razón y llegar a comprender que dentro de este horror si hay literatura.

La persona:

Ignacio González Vegas , oriundo de Gijón y nacido en diciembre de 1974, estudia Filología Española en la universidad de Oviedo y participa durante su veintena tocando en diferentes bandas que cimentan la música independiente en España. En primer lugar en Eliminator Jr, banda  influenciada por el  noise rock tan de moda en los 90. Después sería guitarrista de Manta Ray durante 4 discos, el muy experimental grupo  al que sin duda dedicaremos un artículo en este blog algún día. A principios del nuevo milenio Ignacio se convierte en Nacho Vegas:  el cantautor con más talento surgido en España en los últimos 10 años. En un salto sin red, -de los indies que cantan en el inglés de cursos de CCC a la canción de autor en español – Nacho surge de la nada, publicando un fabuloso debut que descoloca por igual a la prensa independiente y a los seguidores de la música alternativa. ¿De qué va este? ¿El guitarrista de Manta Ray va de Víctor Jara ahora? El caso es que, pese a la sorpresa inicial, Actos Inexplicables (2001), consigue, poco a poco,  no solo aceptar con naturalidad el cambio estilístico sino dejar estupefactos a los que lo escuchan.

Actos Inexplicables presenta un cantante con un hilo de voz que, pese al titubeo de ser la primera vez, suena tremendamente  convincente en lo que cuenta.  Rezumando dolorosa sinceridad por los cuatro costados. Las letras funcionan como un confesionario en las que Vegas parece expulsar demonios que le atormentan desde hace tiempo. Por encima de todas ellas aparece “El ángel Simón”, elegía al padre muerto que pone los pelos como escarpias cada vez que la escuchas. El texto es de una madurez extraordinaria para un tipo de 28 años y presenta los temas en los que Vegas se moverá como pez en el agua en toda su carrera: el dolor, las relaciones rotas, la perdida, la droga. Todos ellos gobernados por un sentido del humor perverso y  un nihilismo difícil de tragar para happy flowers y amantes de los arco iris y las mariposas. Tened claro que Nacho solo va a cantar sobre lo que duele.

El resto del disco no se queda atrás y presenta a un músico que maneja los palos donde se va a mover a partir de ahora con demostrada soltura. Más acústico que eléctrico y con fenomenales arreglos, Actos Inexplicables se erige como uno de los debuts más extraordinarios hechos en España y combate clichés del indie  sobre la canción de autor, relacionada en la mayoría de las ocasiones con los nombres de siempre: Serrates, Autes, Sabinas y demás ralea .

El personaje

Pasados dos años en los que Nacho publica un par de mini albums (Ep´s) –bonita costumbre que mantendrá todos estos años-  ataca de nuevo con segundo álbum ¡Doble!…. el extenso, denso y disperso “Cajas de música difíciles de Parar”. Este álbum viene a confirmar algunas sospechas que ya se albergaban sobre el asturiano: su fertilidad componiendo y publicando, su interés por los temas escabrosos, y sus gustos musicales que se confirman o amplían (folk americano, Dylan, Cohen, Waits, Lou Reed, Nick Cave, el vodevil) y desde luego su ambición. Nacho pierde en sinceridad y gana en teatralidad creando el personaje que le viene acompañando todos estos años y del que va a ser difícil que se pueda disociar. Nacho, el cantautor maldito: yonki, de sexualidad enfermiza, narrador de historias de perdedores, contador de cuentos sin final feliz, abrumado por el dolor y la pena, fascinado por relatos malsanos y morbosos.

El horror

Llegados a este punto es cuando nos planteamos que el núcleo central de la obra de Nacho no es otro que el horror: el terrible miedo a la vida y a que después de ésta no haya nada más; convirtiendo todo en una broma absurda y macabra. Al igual que decían de Leonard Cohen, “El depresivo no químico más potente del planeta”. Vegas alcanza tan altas cotas de tristeza en sus canciones  que a veces hay que pensárselo dos veces antes de escucharlas. No obstante esa obsesión por la tristeza le ha dado muy buenos resultados en algunas canciones que desarman por las cosas tan terribles que cuentan.

Gracias a dios Nacho muchas veces utiliza una fina ironía para amortiguar tanto horror y mal rollo, riéndose de la situación o de sí mismo, haciendo más soportable sus historias:

La literatura

Las letras son la pieza fundamental de toda la ecuación de Nacho. El estudiante de Filología y con seguridad ávido lector se descubre en toda su carrera como un mago con bolígrafo. Es más que posible que, en los últimos 10 años, se hayan escrito en español canciones de tan alta hondura, demostrando un manejo del idioma castellano digno de un poeta y literato. Capacitado para narrar historias en primera o tercera persona con fabulosa fluidez, la calidad de sus textos debería hacer sonrojar a muchos que se llaman escritores de canciones. No podemos sino congratularnos de tener un fulano capaz de musicar unas letras tan cojonudas, si bien, hay veces que las cosas que cuenta son tan crudas y jodidas que garantizan una depresión crónica

Los ídolos

Está claro que Vegas, el mismo lo confiesa, es un mitómano. En sus letras, en su música y en la manera de llevar su carrera. Podríamos poner muchos ejemplos: desde su manera de publicar Ep´s , un formato raro en estos días que corren; las referencias que incluye en sus canciones que implican ser partícipe de su universo personal para comprender la totalidad de lo contado; en su malditismo, mitad impostado mitad fruto de un tío al borde del abismo. Vegas se siente identificado y fan  con todos los músicos referidos anteriormente y otros tantos más (con los años amplia el espectro, como se puede ver en su último disco con homenajes al mexicano José Alfredo Jiménez) con escritores de diferentes época y pelajes: su amado Easton Ellis, la familia Panero, Houllebecq,  los poetas de la generación del 27, el Cohen escritor, Pessoa, los poetas beat……..

Rompiendo el molde

La carrera en solitario de Nacho lleva una progresión exponencial:

Ha conseguido aparecer en la escena indie y erigirse en una de sus figuras indiscutible con solo tres discos, ha coqueteado con artistas de público más amplio (Bunbury, Rosenvinge) para salir del limitado circuito independiente, ha pasado de tocar en pequeños garitos a hacer giras en México y Argentina, ha derribado el concepto de que ser cantautor apesta al rancio olor de las cintas de cassette del coche de tus padres…… todo ello -al menos de momento y con la esperanza de que siga así- sin torcer un ápice sus cancionero a un público menos exigente, sin doblegarse a volverse más comercial, sin haber perdido la esencia de lo que nos quiere contar…..

……Ante semejante cumulo de logros no queda sino reconocer que el talento de Nacho es muy grande.

Discografía seleccionada (wikipedia)

• Actos inexplicables – (2001)
• Cajas de música difíciles de parar – (2003)
• Desaparezca aquí – (2005)
• El manifiesto desastre – (2008)
• La zona sucia (2011)

Colaboraciones

• El tiempo de las cerezas (con Enrique Bunbury – (2006)
• Verano Fatal (con Christina Rosenvinge) – (2007)

EP y Single

• Seis canciones desde el norte con Irene Tremblay (Aroah) – (2001)
• Miedo al zumbido de los mosquitos – (2002)
• Canciones desde palacio- (2003)
• El hombre que casi conoció a Michi Panero (Single) – (2005)
• Esto no es una salida (vinilo) – (2005)
• El género bobo – (2009)

Recopilatorios

• Canciones Inexplicables (2001-2005) (México) – (2007)
• Canciones Inexplicables (2001-2007) Edición extendida (España) – (2008)